Histoire Des Arts ;d
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L'art de Andy Warhol était un commentaire sur l'état de la société et leur obsession de la célébrité et le célèbre. Cela comprenait Andy, comme il a été complètement enchanté par la royauté américaine des stars de cinéma et des célébrités. Il était fasciné par le pouvoir que la télévision avait sur la personne de tous les jours et j'ai vu la boîte de rougeoyante comme quelque chose qui était adoré plus souvent que la plupart des gens vont à l'église. Son art reflète sa croyance en ce que en prenant ce que nous pouvons voir que seulement une partie de notre quotidien et nous montrant comment il est intégré dans notre psychisme et dans tout ce que nous faisons. Envisager la soupe Campbell's art Can. Est-ce juste une boîte de soupe? Etait-ce un «juste» une boîte de soupe avant les travaux de Warhol est devenu célèbre? Non, Campbell's Soup a déjà un nom bien établi des ménages. Avez Warhol les peindre parce que cela signifiait quelque chose? Warhol a déclaré que les peintures ne représentent rien. Pas d'intention, pas de concept et pas de sens. Art n'est cependant pas l'intention de l'artiste, elle est sur le récepteur de l'application de leur propre signification. Chaque décennie qui passe, il y aura de nouvelles significations appliquée aux œuvres d'un artiste en fonction des événements de l'époque dans laquelle ils
sont perçus. des œuvres de Warhol pourrait aujourd'hui être considérée comme un exposé sur l'état de notre mode de vie jeter. Cela pourrait même être dit à propos de peinture de Warhol Marilyn Monroe. Tout comme une boîte de soupe Campbell, Marilyn a été emblématique, rempli son admirateur avec un accueil chaleureux, se sentir bien, puis a été vidé et négligemment jetés. Dans la grande étendue de temps, peut-être Warhol avait raison, les peintures sont de rien, la soupe ne veut rien dire et peut-être Marilyn a été traitée par la société dans la manière même. Tant de gens l'aime maintenant, même aujourd'hui. Puis la vie d'une personne et les réalisations être condensé en un tableau qui ne représente rien? peintures de Warhol peut vraiment faire penser à ce que les priorités de l'humanité sont. Les choses que nous avons mis tant d'importance à sont si rapides et quand ils sont plus grands que la vie sur une toile, ils nous obligent à penser de notre mortalité. De nombreuses œuvres de Warhol ont été d'une manière très fortement liée à la religion. Il fait usage de la feuille d'or dans la tradition des peintures emblématiques de catholiques byzantins. En Gold Marilyn Monroe représente son statut d'icône, le culte de ses admirateurs et la solitude même de sa vie. Son visage est peint comme si elle était dans une publicité papier journal, un autre jeter dans nos vies. Warhol constamment attiré l'attention à la renommée que l'élévation des objets et des personnes à un religieux suivants. Il est difficile de faire un lien émotionnel fort en étudiant simplement un tableau de Warhol. Seuls ceux qui ont déjà un lien affectif préconçues au sujet de ses peintures sent quelque chose d'eux. Ils n'ont toutefois, recourir immédiatement à une mémoire, et ces souvenirs étincelle émotions. Vous cherchez à Marilyn Monroe dans un tableau de Warhol ne signifie rien pour le spectateur s'ils n'ont jamais entendu parler de Marilyn Monroe et de son histoire. Art par Veny est la première galerie d'art en ligne pour les artistes de Boston propre amende, Veny. Art par Veny est la vitrine qui permet aux amateurs d'art de partout dans le monde entier, la possibilité d'acheter des peintures acryliques ou même à la commission d'origine, l'art personnalisé en Veny elle-même. Dans les foyers et les entreprises partout dans le monde, Veny de haute qualité des peintures acryliques sur toile sont une expression de l'émotion et le sentiment mélangé à la couleur et avec amour immortalisés sur toile de haute qualité. la liberté Veny à expérimenter les techniques d'art a développé un style bien à elle-même. Achat oeuvre créée par Veny satisfera votre besoin de haute qualité avec des beaux-arts de valeur.
Le document n°1 page 80 est une affiche Quoi ? (nature du document) de propagande Quoi ? (type d’affiche) intitulée « Vive l’Allemagne » Quoi ?(titre du document) et à la gloire d’Hitler. Quoi ? (sujet du document) Elle a été éditée en couleurs Comment ? par le parti nazi Qui ? en Allemagne Où ? dans les années 30 Quand ?
Elle ne se fait pas au hasard ! Ce n’est pas une énumération. On anticipe l’explication / l’interprétation qu’on devra faire à la fin. On ne retient donc que ce qui aura du sens Méthode à préférer : j’affirme, je prouve, j’illustre. Lorsqu’il s’agit d’une image, on emploie le vocabulaire technique approprié : plans, cadres… Au premier plan, cadré aux hanches, au centre et occupant l’essentiel de l’image, Adolf Hitler en uniforme des SA brandit dans sa main droite un étendard orné de la croix gammée, symbole du parti nazi. Le poing gauche serré, les sourcils froncés, décoiffé, le buste en avant, le regard fixé sur le spectateur, il exprime l’énergie et la détermination du guide qui montre la direction à suivre, du chef qui mène les autres à la bataille. Au second plan, les partisans d’Hitler, des milliers de nazis en uniforme de SA, bien en rang, tous semblables, portent des étendards à croix gammée ou, le bras droit levé, saluent le chef auxquels ils obéissent et qu’ils s’apprêtent à suivre.
Dans le ciel nuageux, l’aigle impérial allemand apparaît dans une lumière qui nimbe de gloire Hitler qui paraît ainsi comme l’élu, l’héritier légitime de l’empire. Enfin, à l’arrière plan, à gauche, un grand fleuve qu’on peut supposer être le Rhin, symbole de la patrie et de l’identité nationale pour beaucoup d’Allemands. De quoi cette affiche essaie-t-elle de nous convaincre ? Hitler est le chef, le guide que l’Allemagne attend : grâce à son énergie, à sa force et à sa détermination, il saura mener le peuple vers la victoire, réaliser le redressement de la patrie allemande et la restauration de sa puissance impériale. Ne pas oublier le titre de cette affiche : Vive l’Allemagne. Hitler est celui qui redonnera sa grandeur à l’Allemagne.
En Janvier 1937, Pablo Picasso a été chargée (quelques informations sur l'histoire en espagnol) pour peindre un tableau mural pour le pavillon espagnol de l'Exposition Universelle de Paris par le gouvernement espagnol-républicaine. Il faut rendre les gens conscients de la situation en Espagne au cours de ces jours - la guerre civile. Sa peinture a été placé sur un mur juste à côté de l'entrée que ce mur a été important et le seul endroit au rez de chaussée qui a été protégé des intempéries. (On lui a offert 7,500 $ pour ce travail.) En avril de la même année son ami José Bergamín avait (dans un article paru dans le magazine artistique «Cahiers d'Art») a demandé une œuvre d'art qui a été d'appeler aux armes et de protestation contre les fascistes se rebeller espagnole dirigée par Franco, qui ont été devient de plus en plus de succès en ce qui concerne les actions militaires. Picasso s'est vu confronté à des attentes clairement formulées. Sa réponse a été un thème complètement nonpolitique, "Baigneuses" et "peintre et son modèle". Par la présente est démontré qu'il en début ne s'identifient pas à la demande Bergamín concernant la discipline de parti. Cependant, le 26 avril 1937, la ville espagnole de Guernica a été attaqué à l'air par les naziallemand "Légion Condor", qui se battait avec Franco. La ville n'a pas de sens stratégique à tous, sans troupes républicaines être stationnés là-bas. Le bombardement était une attaque contre des civils et un symbole de détruire le centre de l'histoire basque et l'identification. (Dans Guernica il y avait ce qu'on appelle le "Saint-Chêne", à laquelle les rois d'Espagne une fois utilisé à jurer aux droits fondamentaux des Basques.) L'attaque des coûts 1654 vies et blessé 889 personnes - il a surtout affecté les vieillards, les femmes et les les enfants. La
brutalité de cette action affligé Picasso beaucoup, donc il a changé ses plans à faire de Guernica le thème de sa peinture. Le tableau représente un espace rempli de morts et de mutilés, un cheval dans le centre et d'un taureau sur la gauche. Pour la gauche du centre il ya une lampe suspendue au bord supérieur de la peinture qui envoie des rayons courte et pointue de la lumière pour le mensonge et la fuite. Les membres sont coupés des gens et des animaux, ils sont jetés au sol. La main posée au premier plan tient une fleur et une épée brisée. Du droit d'un autre main tient à une lampe à huile de la lampe électrique. Au milieu d'un cône de lumière peut être dont les contours couper le corps optiquement vu. Les couleurs dominantes sont le noir, gris et blanc. Le raid est lui-même ne figure pas dans "Guernica". Picasso ne peint pas les bombardiers, les auteurs, au lieu d'eux, il peint leurs victimes. L'espace représenté est rempli de morts, de blessés, des corps démembrés et déchiré. Les points d'intersection des lignes apparemment non coordonnées, qui sont répartis partout dans la peinture, deviennent des centres de explosions, ils font sauter l'ensemble de l'image. Alors que l'Exposition universelle fait l'éloge des nouvelles de l'électricité comme un pays moderne "façon de surmonter la nuit", les lumières de Guernica est sorti au grand jour. Les proportions de la lumière dans «Guernica» est un témoin de cette violence. La lampe sur le plafond est fait dans une explosion incendiaires. La lumière devient un instrument de violence (L'idée même d'Adorno «der Dialektik Aufklaerung".): Le cône de lumière adéquate du centre, qui est présentée d'une manière abstraite et vient comme un coup de projecteur, n'est pas destiné à éclairer le étape - celle-ci (au contraire) "arrache" le cheval de jambes. Le cône se divise également la femme couchée sur le sol, qui peut seulement contenir jusqu'à sa main dans l'accusation de cette violence. L'impuissance face à l'atrocité est principalement exprimé dans la main qui tient une fleur et une arme brisée. Néanmoins, beaucoup de choses restent un casse-tête, le sens du taureau puissant par exemple. Il peut être comprise comme un symbole de la brutalité des agresseurs ainsi que pour l'menacées en Espagne. Même l'apprentissage collectif des historiens de l'art n'a pas été en mesure de résoudre cette question. On peut évidemment pas interpréter la peinture (comme un vieux mythe) avec l'aide d'un langage gestuel qui peut être lu comme des icônes différentes. Cela correspond à Picasso ne remplit pas l'attente d'un appel aux armes peintes. Cela ne signifie pas l'image n'a pas été immédiatement perçu comme une grande confession de Picasso, comme une accusation et que l'indignation. (. Picasso fait la fin de la dictature de Franco une condition pour l'exposition de l'image en Espagne, il n'a pas été porté au musée de Madrid avant 1981 -. Après la mort de Franco et le changement vers la démocratie) Il s'agit d'un signal et un programme contre la guerre et le fascisme.
Ce tableau peint par Otto Dix relate aux populations civiles les horreurs commises pendant la première guerre mondiale. (huile et collage sur toile mesurant 110×87 cm elle est conservée à la galerie Nationale de Berlin).
Otto Dix est un peintre traumatisé par la guerre de 1914 et l'effondrement moral de l'Allemagne qui s'en suivit. Dans une Europe livrée aux dictatures les artistes ont de moins en moins la possibilité de rencontres et d'échanges, ils peignent un univers qui est leur présent, leur réalité. Et cela éclaire la peinture d'une lumière très sombre. C'est un monde qui se prépare à une nouvelle tragédie, la guerre d'Espagne et qui en prépare une autre : la guerre de 4O. Cela donne des toiles imprégnées de réalisme et de pessimisme, comme Invalides de Guerre jouant aux cartes détaillé ci-dessous.
Au second plan on trouve sur la droite un porte manteau , au dessus des trois hommes sont affichés des articles de journaux allemands qui font référence au conflit Franco-Allemand pendant la première Guerre Mondiale et en haut à gauche du tableau un lampadaire (où l'on distingue une tête de mort) éclaire la scène. Au centre de son tableau on peut voir les trois personnages principaux jouer aux cartes assis autour d’une table à la terrasse d'un café le soir .
Le premier personnage, celui de gauche est un homme. On ne peut pas lui donner d’âge tellement sa peau est abîmée. Cet homme est disproportionné, il a une jambe de bois et joue aux cartes avec le pied qui lui reste. Le joueur dont la manche droite est vide, sort de sa manche gauche une main articulée avec laquelle il pose ses cartes sur la table. De son oreille part un tuyau qui lui permet d’entendre la conversation. Il doit avoir perdu l’audition lors de la guerre. Le second personnage, au centre, joue aussi aux cartes. Il lui manque une partie de la peau de la tête: il a été scalpé. Il a deux moignons à la place des jambes qu’il a perdues à la guerre. Si on regarde son corps on voit qu’il n’est fait que d’os, il n’a pas de peau. Ce personnage a un œil de verre et n’a pas d’oreille. Le troisième personnage n’a pas de jambe , il est posé sur une sorte de socle en fer. Contrairement aux deux autres personnages il a ses deux mains mais l’une des deux est articulée comme un robot et l'autre est aussi une prothèse. Sur son veston il porte une croix germanique: signe de ralliement des Allemands.
Les mutilations renvoient bien sûr à la violence subie pendant la guerre mais aussi de l’impuissance des médecins à réparer les corps dont témoigne le recours à l’appareillage prothétique. Celui-ci s’apparente à une forme de camouflage ou de cache misère : il s’agit de tenter de rendre invisible les destructions subies. Ainsi, chez le joueur de droite, au-dessus de son col officier, une prothèse tente de combler l’absence de mâchoire inférieure. Son articulation repose sur un système de poulies qui masque en partie, une large cicatrice de la joue gauche. Un assemblage de pièces en aluminium soutient sa lèvre inférieure fournie. L’extrémité du nez du joueur de droite est recouverte d’un bandeau en cuir noir noué autour de sa tête. La coiffure est soignée, l’œil et le sourcil du côté apparent semblent avoir été épargnés. Sur sa prothèse, Dix a apposé une inscription. Le joueur du centre a posé une partie de ses cartes sur la table, les maintenant droites par le biais d’un support en argent. Il tient le reste de sa donne dans la bouche. Son visage, comme celui de son voisin de gauche, porte une prothèse qui remplace sa mâchoire inférieure sans parvenir toutefois à dissimuler une perte de substance importante de la joue gauche. Il porte une demi-moustache noire relevée. Son œil gauche est fixe, artificiel.
Si on s’intéresse aux couleurs on voit qu’il n’y a pas de couleurs vives. Toutes les couleurs tournent autour du verdâtre, noir, et bleu foncé. On voit aussi que les lignes du tableau sont très confuses. Elles sont toutes cassées. Il n’y a pas d’équilibre dans le tableau. Ces lignes confuses et ces couleurs froides mettent le spectateur très mal a l’aise tout en l’amenant à accepter les idées du peintre. L’utilisation du clair/obscur nous révèle les corps d’anciens soldats démembrés. On note ainsi l’absence quasi-totale de membres inférieurs, remplacés par des pilons ou des jambes de bois articulées. Ces trois caricatures sont donc vraiment exagérées. Ils sont difformes , estropiés, affreux. Peut être qu’Otto Dix les a peints de telle sorte qu’ils fassent peur aux gens?
Les Joueurs de Skat mettent en exergue à la fois la violence nouvelle infligée aux corps des combattants par la guerre moderne et les tentatives de reconstruction des corps par la médecine. Le corps se pose ici en trait d’union entre la guerre et la médecine. Dans les Joueurs de Skat, Dix concentre toute son attention sur les dégâts faits aux corps. D’ailleurs la minutie avec laquelle il s’applique à représenter les mutilations oblige le spectateur à un effort
de représentation du réel, qui apparaît à ses yeux presque irréel. Le recours à la technique du collage renforce l’idée d’un assemblage des corps réalisé à partir de pièces hétéroclites. En effet, aux corps disloqués s’ajoutent des corps étrangers, les prothèses intégrées ou imbriquées dans les corps. Les corps apparaissent ainsi mécaniquement assemblés.
Mais Dix parvient à métamorphoser l’effroyable et le hideux en grotesque voire en ridicule. Dans l’exhibition tout d’abord par les anciens combattants de leurs propres mutilations, dans le fait qu’ils trouvent dans leurs blessures une fierté, une forme de valorisation voire d’héroïsation. Le joueur de droite porte d’ailleurs sa Croix de Fer. La perte de dignité est poussée ici jusqu’à l’impudeur comme le souligne le sexe apparent du joueur de droite. Les corps ressemblent à des marionnettes, à des pantins mécaniques, il ne s’agit plus que de reliquats de corps, conséquence de la folie guerrière. Le ridicule se retrouve ensuite dans les prothèses auditives que Dix représentent comme un jouet : le joueur de gauche porte un tuyau qui part de son oreille droite jusqu’à une petite cornette posée sur la table ; de même que chez le joueur qui fait face, sort de son oreille gauche, comme son voisin de droite, une sorte d’amplificateur.
Le jeu de cartes cimente la sociabilité des anciens combattants en Allemagne. Le Skat rassemble trois joueurs, telle une association macabre comme celle d’une danse qui s’inscrit sur la prothèse crânienne du joueur placé au centre de l’œuvre et sur laquelle on distingue deux corps dansant. Ici les trois joueurs nous montrent leurs jeux. S’ils semblent avoir les cartes en main, le contenu est dévoilé parce « les jeux sont faits ». Ces derniers étaient même truqués puisque l’on remarque deux cartes identiques. Leur destin leur a échappé, il était écrit. L’expression des joueurs traduit également le sentiment qu’ils ont de leur propre perte et que celle-ci est due à un hasard arbitraire et tragique. Les cartes sont ici retournées comme le sont leurs enveloppes corporelles. Une précision méticuleuse sur lequel repose le substrat du travail de représentation pictural du trauma d’Otto Dix.
sont perçus. des œuvres de Warhol pourrait aujourd'hui être considérée comme un exposé sur l'état de notre mode de vie jeter. Cela pourrait même être dit à propos de peinture de Warhol Marilyn Monroe. Tout comme une boîte de soupe Campbell, Marilyn a été emblématique, rempli son admirateur avec un accueil chaleureux, se sentir bien, puis a été vidé et négligemment jetés. Dans la grande étendue de temps, peut-être Warhol avait raison, les peintures sont de rien, la soupe ne veut rien dire et peut-être Marilyn a été traitée par la société dans la manière même. Tant de gens l'aime maintenant, même aujourd'hui. Puis la vie d'une personne et les réalisations être condensé en un tableau qui ne représente rien? peintures de Warhol peut vraiment faire penser à ce que les priorités de l'humanité sont. Les choses que nous avons mis tant d'importance à sont si rapides et quand ils sont plus grands que la vie sur une toile, ils nous obligent à penser de notre mortalité. De nombreuses œuvres de Warhol ont été d'une manière très fortement liée à la religion. Il fait usage de la feuille d'or dans la tradition des peintures emblématiques de catholiques byzantins. En Gold Marilyn Monroe représente son statut d'icône, le culte de ses admirateurs et la solitude même de sa vie. Son visage est peint comme si elle était dans une publicité papier journal, un autre jeter dans nos vies. Warhol constamment attiré l'attention à la renommée que l'élévation des objets et des personnes à un religieux suivants. Il est difficile de faire un lien émotionnel fort en étudiant simplement un tableau de Warhol. Seuls ceux qui ont déjà un lien affectif préconçues au sujet de ses peintures sent quelque chose d'eux. Ils n'ont toutefois, recourir immédiatement à une mémoire, et ces souvenirs étincelle émotions. Vous cherchez à Marilyn Monroe dans un tableau de Warhol ne signifie rien pour le spectateur s'ils n'ont jamais entendu parler de Marilyn Monroe et de son histoire. Art par Veny est la première galerie d'art en ligne pour les artistes de Boston propre amende, Veny. Art par Veny est la vitrine qui permet aux amateurs d'art de partout dans le monde entier, la possibilité d'acheter des peintures acryliques ou même à la commission d'origine, l'art personnalisé en Veny elle-même. Dans les foyers et les entreprises partout dans le monde, Veny de haute qualité des peintures acryliques sur toile sont une expression de l'émotion et le sentiment mélangé à la couleur et avec amour immortalisés sur toile de haute qualité. la liberté Veny à expérimenter les techniques d'art a développé un style bien à elle-même. Achat oeuvre créée par Veny satisfera votre besoin de haute qualité avec des beaux-arts de valeur.
Le document n°1 page 80 est une affiche Quoi ? (nature du document) de propagande Quoi ? (type d’affiche) intitulée « Vive l’Allemagne » Quoi ?(titre du document) et à la gloire d’Hitler. Quoi ? (sujet du document) Elle a été éditée en couleurs Comment ? par le parti nazi Qui ? en Allemagne Où ? dans les années 30 Quand ?
Elle ne se fait pas au hasard ! Ce n’est pas une énumération. On anticipe l’explication / l’interprétation qu’on devra faire à la fin. On ne retient donc que ce qui aura du sens Méthode à préférer : j’affirme, je prouve, j’illustre. Lorsqu’il s’agit d’une image, on emploie le vocabulaire technique approprié : plans, cadres… Au premier plan, cadré aux hanches, au centre et occupant l’essentiel de l’image, Adolf Hitler en uniforme des SA brandit dans sa main droite un étendard orné de la croix gammée, symbole du parti nazi. Le poing gauche serré, les sourcils froncés, décoiffé, le buste en avant, le regard fixé sur le spectateur, il exprime l’énergie et la détermination du guide qui montre la direction à suivre, du chef qui mène les autres à la bataille. Au second plan, les partisans d’Hitler, des milliers de nazis en uniforme de SA, bien en rang, tous semblables, portent des étendards à croix gammée ou, le bras droit levé, saluent le chef auxquels ils obéissent et qu’ils s’apprêtent à suivre.
Dans le ciel nuageux, l’aigle impérial allemand apparaît dans une lumière qui nimbe de gloire Hitler qui paraît ainsi comme l’élu, l’héritier légitime de l’empire. Enfin, à l’arrière plan, à gauche, un grand fleuve qu’on peut supposer être le Rhin, symbole de la patrie et de l’identité nationale pour beaucoup d’Allemands. De quoi cette affiche essaie-t-elle de nous convaincre ? Hitler est le chef, le guide que l’Allemagne attend : grâce à son énergie, à sa force et à sa détermination, il saura mener le peuple vers la victoire, réaliser le redressement de la patrie allemande et la restauration de sa puissance impériale. Ne pas oublier le titre de cette affiche : Vive l’Allemagne. Hitler est celui qui redonnera sa grandeur à l’Allemagne.
En Janvier 1937, Pablo Picasso a été chargée (quelques informations sur l'histoire en espagnol) pour peindre un tableau mural pour le pavillon espagnol de l'Exposition Universelle de Paris par le gouvernement espagnol-républicaine. Il faut rendre les gens conscients de la situation en Espagne au cours de ces jours - la guerre civile. Sa peinture a été placé sur un mur juste à côté de l'entrée que ce mur a été important et le seul endroit au rez de chaussée qui a été protégé des intempéries. (On lui a offert 7,500 $ pour ce travail.) En avril de la même année son ami José Bergamín avait (dans un article paru dans le magazine artistique «Cahiers d'Art») a demandé une œuvre d'art qui a été d'appeler aux armes et de protestation contre les fascistes se rebeller espagnole dirigée par Franco, qui ont été devient de plus en plus de succès en ce qui concerne les actions militaires. Picasso s'est vu confronté à des attentes clairement formulées. Sa réponse a été un thème complètement nonpolitique, "Baigneuses" et "peintre et son modèle". Par la présente est démontré qu'il en début ne s'identifient pas à la demande Bergamín concernant la discipline de parti. Cependant, le 26 avril 1937, la ville espagnole de Guernica a été attaqué à l'air par les naziallemand "Légion Condor", qui se battait avec Franco. La ville n'a pas de sens stratégique à tous, sans troupes républicaines être stationnés là-bas. Le bombardement était une attaque contre des civils et un symbole de détruire le centre de l'histoire basque et l'identification. (Dans Guernica il y avait ce qu'on appelle le "Saint-Chêne", à laquelle les rois d'Espagne une fois utilisé à jurer aux droits fondamentaux des Basques.) L'attaque des coûts 1654 vies et blessé 889 personnes - il a surtout affecté les vieillards, les femmes et les les enfants. La
brutalité de cette action affligé Picasso beaucoup, donc il a changé ses plans à faire de Guernica le thème de sa peinture. Le tableau représente un espace rempli de morts et de mutilés, un cheval dans le centre et d'un taureau sur la gauche. Pour la gauche du centre il ya une lampe suspendue au bord supérieur de la peinture qui envoie des rayons courte et pointue de la lumière pour le mensonge et la fuite. Les membres sont coupés des gens et des animaux, ils sont jetés au sol. La main posée au premier plan tient une fleur et une épée brisée. Du droit d'un autre main tient à une lampe à huile de la lampe électrique. Au milieu d'un cône de lumière peut être dont les contours couper le corps optiquement vu. Les couleurs dominantes sont le noir, gris et blanc. Le raid est lui-même ne figure pas dans "Guernica". Picasso ne peint pas les bombardiers, les auteurs, au lieu d'eux, il peint leurs victimes. L'espace représenté est rempli de morts, de blessés, des corps démembrés et déchiré. Les points d'intersection des lignes apparemment non coordonnées, qui sont répartis partout dans la peinture, deviennent des centres de explosions, ils font sauter l'ensemble de l'image. Alors que l'Exposition universelle fait l'éloge des nouvelles de l'électricité comme un pays moderne "façon de surmonter la nuit", les lumières de Guernica est sorti au grand jour. Les proportions de la lumière dans «Guernica» est un témoin de cette violence. La lampe sur le plafond est fait dans une explosion incendiaires. La lumière devient un instrument de violence (L'idée même d'Adorno «der Dialektik Aufklaerung".): Le cône de lumière adéquate du centre, qui est présentée d'une manière abstraite et vient comme un coup de projecteur, n'est pas destiné à éclairer le étape - celle-ci (au contraire) "arrache" le cheval de jambes. Le cône se divise également la femme couchée sur le sol, qui peut seulement contenir jusqu'à sa main dans l'accusation de cette violence. L'impuissance face à l'atrocité est principalement exprimé dans la main qui tient une fleur et une arme brisée. Néanmoins, beaucoup de choses restent un casse-tête, le sens du taureau puissant par exemple. Il peut être comprise comme un symbole de la brutalité des agresseurs ainsi que pour l'menacées en Espagne. Même l'apprentissage collectif des historiens de l'art n'a pas été en mesure de résoudre cette question. On peut évidemment pas interpréter la peinture (comme un vieux mythe) avec l'aide d'un langage gestuel qui peut être lu comme des icônes différentes. Cela correspond à Picasso ne remplit pas l'attente d'un appel aux armes peintes. Cela ne signifie pas l'image n'a pas été immédiatement perçu comme une grande confession de Picasso, comme une accusation et que l'indignation. (. Picasso fait la fin de la dictature de Franco une condition pour l'exposition de l'image en Espagne, il n'a pas été porté au musée de Madrid avant 1981 -. Après la mort de Franco et le changement vers la démocratie) Il s'agit d'un signal et un programme contre la guerre et le fascisme.
Ce tableau peint par Otto Dix relate aux populations civiles les horreurs commises pendant la première guerre mondiale. (huile et collage sur toile mesurant 110×87 cm elle est conservée à la galerie Nationale de Berlin).
Otto Dix est un peintre traumatisé par la guerre de 1914 et l'effondrement moral de l'Allemagne qui s'en suivit. Dans une Europe livrée aux dictatures les artistes ont de moins en moins la possibilité de rencontres et d'échanges, ils peignent un univers qui est leur présent, leur réalité. Et cela éclaire la peinture d'une lumière très sombre. C'est un monde qui se prépare à une nouvelle tragédie, la guerre d'Espagne et qui en prépare une autre : la guerre de 4O. Cela donne des toiles imprégnées de réalisme et de pessimisme, comme Invalides de Guerre jouant aux cartes détaillé ci-dessous.
Au second plan on trouve sur la droite un porte manteau , au dessus des trois hommes sont affichés des articles de journaux allemands qui font référence au conflit Franco-Allemand pendant la première Guerre Mondiale et en haut à gauche du tableau un lampadaire (où l'on distingue une tête de mort) éclaire la scène. Au centre de son tableau on peut voir les trois personnages principaux jouer aux cartes assis autour d’une table à la terrasse d'un café le soir .
Le premier personnage, celui de gauche est un homme. On ne peut pas lui donner d’âge tellement sa peau est abîmée. Cet homme est disproportionné, il a une jambe de bois et joue aux cartes avec le pied qui lui reste. Le joueur dont la manche droite est vide, sort de sa manche gauche une main articulée avec laquelle il pose ses cartes sur la table. De son oreille part un tuyau qui lui permet d’entendre la conversation. Il doit avoir perdu l’audition lors de la guerre. Le second personnage, au centre, joue aussi aux cartes. Il lui manque une partie de la peau de la tête: il a été scalpé. Il a deux moignons à la place des jambes qu’il a perdues à la guerre. Si on regarde son corps on voit qu’il n’est fait que d’os, il n’a pas de peau. Ce personnage a un œil de verre et n’a pas d’oreille. Le troisième personnage n’a pas de jambe , il est posé sur une sorte de socle en fer. Contrairement aux deux autres personnages il a ses deux mains mais l’une des deux est articulée comme un robot et l'autre est aussi une prothèse. Sur son veston il porte une croix germanique: signe de ralliement des Allemands.
Les mutilations renvoient bien sûr à la violence subie pendant la guerre mais aussi de l’impuissance des médecins à réparer les corps dont témoigne le recours à l’appareillage prothétique. Celui-ci s’apparente à une forme de camouflage ou de cache misère : il s’agit de tenter de rendre invisible les destructions subies. Ainsi, chez le joueur de droite, au-dessus de son col officier, une prothèse tente de combler l’absence de mâchoire inférieure. Son articulation repose sur un système de poulies qui masque en partie, une large cicatrice de la joue gauche. Un assemblage de pièces en aluminium soutient sa lèvre inférieure fournie. L’extrémité du nez du joueur de droite est recouverte d’un bandeau en cuir noir noué autour de sa tête. La coiffure est soignée, l’œil et le sourcil du côté apparent semblent avoir été épargnés. Sur sa prothèse, Dix a apposé une inscription. Le joueur du centre a posé une partie de ses cartes sur la table, les maintenant droites par le biais d’un support en argent. Il tient le reste de sa donne dans la bouche. Son visage, comme celui de son voisin de gauche, porte une prothèse qui remplace sa mâchoire inférieure sans parvenir toutefois à dissimuler une perte de substance importante de la joue gauche. Il porte une demi-moustache noire relevée. Son œil gauche est fixe, artificiel.
Si on s’intéresse aux couleurs on voit qu’il n’y a pas de couleurs vives. Toutes les couleurs tournent autour du verdâtre, noir, et bleu foncé. On voit aussi que les lignes du tableau sont très confuses. Elles sont toutes cassées. Il n’y a pas d’équilibre dans le tableau. Ces lignes confuses et ces couleurs froides mettent le spectateur très mal a l’aise tout en l’amenant à accepter les idées du peintre. L’utilisation du clair/obscur nous révèle les corps d’anciens soldats démembrés. On note ainsi l’absence quasi-totale de membres inférieurs, remplacés par des pilons ou des jambes de bois articulées. Ces trois caricatures sont donc vraiment exagérées. Ils sont difformes , estropiés, affreux. Peut être qu’Otto Dix les a peints de telle sorte qu’ils fassent peur aux gens?
Les Joueurs de Skat mettent en exergue à la fois la violence nouvelle infligée aux corps des combattants par la guerre moderne et les tentatives de reconstruction des corps par la médecine. Le corps se pose ici en trait d’union entre la guerre et la médecine. Dans les Joueurs de Skat, Dix concentre toute son attention sur les dégâts faits aux corps. D’ailleurs la minutie avec laquelle il s’applique à représenter les mutilations oblige le spectateur à un effort
de représentation du réel, qui apparaît à ses yeux presque irréel. Le recours à la technique du collage renforce l’idée d’un assemblage des corps réalisé à partir de pièces hétéroclites. En effet, aux corps disloqués s’ajoutent des corps étrangers, les prothèses intégrées ou imbriquées dans les corps. Les corps apparaissent ainsi mécaniquement assemblés.
Mais Dix parvient à métamorphoser l’effroyable et le hideux en grotesque voire en ridicule. Dans l’exhibition tout d’abord par les anciens combattants de leurs propres mutilations, dans le fait qu’ils trouvent dans leurs blessures une fierté, une forme de valorisation voire d’héroïsation. Le joueur de droite porte d’ailleurs sa Croix de Fer. La perte de dignité est poussée ici jusqu’à l’impudeur comme le souligne le sexe apparent du joueur de droite. Les corps ressemblent à des marionnettes, à des pantins mécaniques, il ne s’agit plus que de reliquats de corps, conséquence de la folie guerrière. Le ridicule se retrouve ensuite dans les prothèses auditives que Dix représentent comme un jouet : le joueur de gauche porte un tuyau qui part de son oreille droite jusqu’à une petite cornette posée sur la table ; de même que chez le joueur qui fait face, sort de son oreille gauche, comme son voisin de droite, une sorte d’amplificateur.
Le jeu de cartes cimente la sociabilité des anciens combattants en Allemagne. Le Skat rassemble trois joueurs, telle une association macabre comme celle d’une danse qui s’inscrit sur la prothèse crânienne du joueur placé au centre de l’œuvre et sur laquelle on distingue deux corps dansant. Ici les trois joueurs nous montrent leurs jeux. S’ils semblent avoir les cartes en main, le contenu est dévoilé parce « les jeux sont faits ». Ces derniers étaient même truqués puisque l’on remarque deux cartes identiques. Leur destin leur a échappé, il était écrit. L’expression des joueurs traduit également le sentiment qu’ils ont de leur propre perte et que celle-ci est due à un hasard arbitraire et tragique. Les cartes sont ici retournées comme le sont leurs enveloppes corporelles. Une précision méticuleuse sur lequel repose le substrat du travail de représentation pictural du trauma d’Otto Dix.
